+20 ARTISTAS.

+30 OBRAS.

5 EJES.

2024

> CAPSULA DE ARTE
Espacio Vital

>>>Espacio Vital propone una colección de arte contemporáneo argentino que tiene como objetivo generar diálogos federales e investigaciones sobre prácticas artísticas que posibiliten la transformación individual y colectiva.

/01 EJES.
> CATEGORÍAS CURATORIALES - NÚCLEO CONCEPTUAL

El ritual, poderoso y político

En un contexto globalizado, insertar los objetos artísticos dentro de la red de relaciones que los originó puede permitir pensar que el arte no es únicamente un sistema codificado de símbolos, sino también un sistema de acción que ejerce desde lo micropolítico. Así, desde lo íntimo y lo afectivo, se tejen nuevas formas de hacer. Las acciones poético-rituales, el sueño, la práctica de oficios femeninos, la práctica con agentes y artesanos locales y el trabajo con la memoria histórico-material de la región resultan una respuesta singular que da lugar a la aparición de formas otras, el reencauzamiento de los afectos y las fuerzas sensibles.

Incluye la obra de los artistas:

Feliciano Centurión, Florencia Rodriguez Giles, Carlos Herrera, Nicolas Rodriguez, Roxana Ramos, Constanza Chiappini, Juan Valenti.

> CATEGORÍAS CURATORIALES - NÚCLEO CONCEPTUAL

Cuerpo-máquina

Este eje nos invita a reflexionar sobre nuestra relación con el entorno, abordando temas como la interacción con lo tecnológico, el espacio doméstico y las problemáticas socioambientales. Se explora la intersección entre humano y máquina y la efimeridad del mundo digital en constante cambio. Se cuestionan las certezas científicas y se investiga cómo las tecnologías impactan nuestra percepción de la realidad, proponiendo lógicas que no someten a las imágenes a criterios como la eficacia y la claridad. Estas obras nos incitan a reconsiderar las estructuras que definen nuestras subjetividades y abren la puerta a otras realidades posibles. Así, algunas obras exploran la ciencia, el extractivismo y el dominio de la realidad, mientras que otras proponen nuevas sensibilidades para habitar el mundo.

Incluye la obra de los artistas:

Adriana Bustos – Carlos Huffmann (x2) – Alicia Herrero – Marina de Caro – Adrian Villar Rojas – Mariano Martinez – Alejandra Montiel – Mara Caffarone – Diego Gelatti

> CATEGORÍAS CURATORIALES - NÚCLEO CONCEPTUAL

Poéticas de lo subalterno

A través de la selección de materiales queer y el señalamiento ornamental, este eje busca explorar la sensibilidad atribuida al material ordinario y de descarte, convirtiendo lo accesible y cotidiano en algo exuberantemente espectacular. Un ready-made rebelde y frustrado que forja una alianza poética con lo subalterno en una búsqueda de hacer de lo periférico el centro. Además, algunas de estas obras, ejerciendo un acto de resistencia, surgen de formas de crear en las que se proponen procesos relacionales y colaborativos.

Incluye la obra de los artistas:

Marcelo Pombo – Chiachio & Giannone – Natalia Segre – Emilia de las Carreras – Francisca Slavich – Luisa Lerman – María Lujan Vivas – Juan Ojeda.

> CATEGORÍAS CURATORIALES - NÚCLEO CONCEPTUAL

Desplazamientos extraños

A través de la búsqueda de deseos inconfesos, la distorsión y el extrañamiento, podemos ingresar en el plano de lo imaginal, una realidad o estado que existe en el mundo de la mente. El arte tiene la capacidad de desplazarnos para habitar un mundo intermedio: un territorio fértil de paisajes interiores, criaturas y monstruos. Las comunidades liminales, los estados alterados y las perturbaciones nos proponen un camino de metamorfosis hacia la transformación íntima y colectiva.

Incluye la obra de los artistas:

Nicanor Araoz – Florencia Rodriguez Giles – Nicola Constantino – Samantha Ferro – Josefina Garzón – Carlos Gutierrez – Emilia Naistat – Rocio Valdivieso – Jimena Losada – Amanda Tejo Viviani – Clara Miño – Gonzalo Beccar Varela – Brenda Erdei

> CATEGORÍAS CURATORIALES - NÚCLEO CONCEPTUAL

Del propio archivo

Este eje es una confesión de la comunidad y práctica artística, de cómo adoptar y abrazar filiaciones y discursos es parte constitutiva de la obra. Percibir un estilo es captar las relaciones entre las formas como partes del todo. Las obras se hacen de este tiempo y de tiempos anteriores; en las piezas aparecen los colegas de la propia generación, pero también los grandes de la historia del arte. Este eje indaga en cómo se construye el propio canon desde la periferia. Las obras, en sentido estricto, no son entidades cerradas, sino múltiples y fractales, es decir, partes de un todo que construyen en sí mismas un prisma del todo.

Incluye la obra de los artistas:

Fabio Kacero – Alberto Goldenstein – Sebastián Gordin – El Bondi Colectivo – Javier Soria Vazquez

/02 OBRAS.

Programa de Adquisición de Artistas

El Programa de Adquisición de Artistas de la colección Espacio Vital busca potenciar tanto la educación de artistas en instituciones tradicionales como también en espacios híbridos, autogestionados por artistas y en formatos de clínica de obra - característica de la formación artística en la Argentina.

En esta primera edición, el Programa de Adquisición de Artistas de la colección Espacio Vital seleccionó 3 espacios educativos para que inviten a los artistas que hayan cursado y finalizado los programas en sus organizaciones en los últimos dos años lectivos a aplicar al concurso de adquisición. Los espacios educativos fueron: Artistas X Artistas (C.A.B.A), el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella (con alcance federal al ser virtual los últimos dos años) y Taller Compartido (Santa Fe).

En este primer concurso, el jurado de selección contó con la participación de Carlos Herrera y Adriana Bustos -ambos artistas ancla de la colección-, de Orly Benzacar y Nahuel Ortiz Vidal, directores de las galerías Ruth Benzacar y Barro respectivamente y de la agencia Beatriz Bardin.

Obras Ancla

Las obras ancla de la colección son un conjunto de obras de artistas de mediana carrera o ya consagrados(*).

Estas obras, permiten relaciones históricas entre obras producidas hoy y la producción de arte argentino desde la post dictadura. Además, buscan generar un diálogo, a través de núcleos conceptuales, con obras adquiridas en el Programa de Adquisición de Artistas de Espacio Vital.

> PARA VER EN LA EXPOSICIÓN

Máscara de la Comunidad Transitoria de Mascotas Terapeutas(2019)

Florencia Rodriguez Giles

1° Planta

Máscara de la Comunidad Transitoria de Mascotas Terapeutas (2019)

Florencia Rodriguez Giles

Tierra baldía(2023)

Clara Miño

2° Planta

Tierra baldía (2023)

Clara Miño

Inteligencia Imaginaria(2019)

Carlos Huffman

3° Planta

Inteligencia Imaginaria (2019)

Carlos Huffman

Sin Título(2018)

Marina de Caro

3° Planta

Sin Título (2018)

Marina de Caro

Sin título 01(2022)

Constanza Chiappini

1° Planta

Sin título 01 (2022)

Constanza Chiappini

Poder de relaciones #6(2019)

Mara Caffarone

3° Planta

Poder de relaciones #6 (2019)

Mara Caffarone

Sin título(1200-1535 d.C)

El bondi Colectivo

2° Planta

Sin título (1200-1535 d.C)

El bondi Colectivo

Sin título(2022)

Samantha Ferro

4° Planta

Sin título (2022)

Samantha Ferro

Sin título(2019)

Jimena Losada

4° Planta

Sin título (2019)

Jimena Losada

Cadena de pollos(1997)

Nicola Constantino

4° Planta

Cadena de pollos (1997)

Nicola Constantino

Industrialización Imaginaria(2019)

Carlos Huffman

3° Planta

Industrialización Imaginaria (2019)

Carlos Huffman

Hospital de día(2021)

Florencia Rodriguez Giles

4° Planta

Hospital de día (2021)

Florencia Rodriguez Giles

Argumentos para lo intransferible(2023)

Rocio Valdivieso

Planta Baja

Argumentos para lo intransferible (2023)

Rocio Valdivieso

El sueño de las luciérnagas(2023)

Carlos Herrerra

Planta Baja

El sueño de las luciérnagas (2023)

Carlos Herrerra

Un orden mayor(2023)

Juan Valenti

3° Planta

Un orden mayor (2023)

Juan Valenti

fruta seca(1999)

Marcelo Pombo

2° Planta

fruta seca (1999)

Marcelo Pombo

Sin título(2021)

Mariano Martinez

3° Planta

Sin título (2021)

Mariano Martinez

Sin título(1998)

Marcelo Pombo

2° Planta

Sin título (1998)

Marcelo Pombo

Sin título(2023)

Brenda Erdei

3° Planta

Sin título (2023)

Brenda Erdei

Cuando el río arde(2022)

Alejandra Montiel

3° Planta

Cuando el río arde (2022)

Alejandra Montiel

Retrato de Feliciano Centurión(1993)

Alberto Goldenstein

2° Planta

Retrato de Feliciano Centurión (1993)

Alberto Goldenstein

Retrato de Marcelo Pombo(1989)

Alberto Goldenstein

2° Planta

Retrato de Marcelo Pombo (1989)

Alberto Goldenstein

Un día de 1000 horas(2023)

Carlos Gutierrez

Planta Baja

Un día de 1000 horas (2023)

Carlos Gutierrez

Sin título (Cepita)(1994)

Marcelo Pombo

2° Planta

Sin título (Cepita) (1994)

Marcelo Pombo

Torcido volcado(2007)

Nicanor Aráoz

2° Planta

Torcido volcado (2007)

Nicanor Aráoz

Sin título(2020)

Luisa Lerman

2° Planta

Sin título (2020)

Luisa Lerman

Móvil III(2022)

Emilia Carreras

2° Planta

Móvil III (2022)

Emilia Carreras

Sin título(2023)

Emilia Naistat

4° Planta

Sin título (2023)

Emilia Naistat

Tecnología del soplo(2019)

Roxana Ramos

3° Planta

Tecnología del soplo (2019)

Roxana Ramos

Sin título(2021)

Diego Andrés Gelatti

Planta Baja

Sin título (2021)

Diego Andrés Gelatti

Algunas cosas que no me animé a tirar a la basura(2020)

Maria Lujan Vivas

2° Planta

Algunas cosas que no me animé a tirar a la basura (2020)

Maria Lujan Vivas

víbora blanca(2021-2022)

Juan Ojeda

2° Planta

víbora blanca (2021-2022)

Juan Ojeda

dibujodiario(2022)

Javier Soria Vazquez

2° Planta

dibujodiario (2022)

Javier Soria Vazquez

Sin título(1993)

Feliciano Centurión

Planta Baja

Sin título (1993)

Feliciano Centurión

Genealogía del recipiente(1993)

Alicia Herrero

4° Planta

Genealogía del recipiente (1993)

Alicia Herrero

Daisy mutante(2023)

Nicanor Aráoz

4° Planta

Daisy mutante (2023)

Nicanor Aráoz

Instituto Oceanográfico Miguel Harte(1994)

Sebastian Gordín

Planta Baja

Instituto Oceanográfico Miguel Harte (1994)

Sebastian Gordín

25 firmas de la serie “El Campeón de los Fantasmas”(2016)

Fabio Kacero

2° Planta

25 firmas de la serie “El Campeón de los Fantasmas” (2016)

Fabio Kacero

sinombre 0004(2023)

Gonzalo Beccar Varela

1° Planta

sinombre 0004 (2023)

Gonzalo Beccar Varela

Collosea(2022)

Josefina Garzón

4° Planta

Collosea (2022)

Josefina Garzón

Fuegos(2022)

Adriana Bustos

3° Planta

Fuegos (2022)

Adriana Bustos

donde reposa la memoria(2022)

Natalia Segre

Planta Baja

donde reposa la memoria (2022)

Natalia Segre

Mosaico(2023)

Nicolas Rodriguez

Planta Baja

Mosaico (2023)

Nicolas Rodriguez

/03 ARTISTAS.
  • Nicanor Aráoz

    Daisy mutante (2023)

    Hierro, vinilo, filamento pla y neón

    Torcido volcado (2007)

    Madera, empapelado, recortes de revista, galletitas dulces, resina, cerámica, plástico

    4° Planta

    Daisy mutante (2023)

    Nicanor Aráoz

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

    Sobre el artista

    Nicanor Aráoz (Buenos Aires, 1981) produce objetos y esculturas, hace de sus obras grandes instalaciones hiperrealistas que tienen como referencia los cómics y el mundo de Internet, en particular YouTube, junto con mitologías románticas del arte gótico. Describe la web como un sueño colectivo y social, un archivo veloz del que toma elementos tan diversos como la estética del animé, el diseño de marcas comerciales, el universo de la rave y sus ritos, los universos ficcionales de los videojuegos, la poesía existencial, las tradiciones místicas y las formas de los organismos biológicos, sobre todo las asociadas con lo monstruoso. A lo largo de su carrera ha utilizado al surrealismo como laboratorio, un gran caldo de cultivo que integra lo onírico y lo inconsciente.

    En Daisy mutante #01, Aráoz crea una versión distorsionada de la flor Daisy – margarita -, símbolo habitual de inocencia y pureza, exaltando su dimensión extraña y llenándola de sutilezas metafísicas y precisión teológica para impartir una sensación de monstruosidad.

    Aráoz hace cosas muy raras y muy bellas que le gustaría comprar, esculturas hechas de mundo y en el mundo está él, haciéndose y deshaciéndose de manera procedimental.
    Entre lo amoroso y lo monstruoso, Aráoz produce obras que parecen un ritual: el de convocar un momento de liminalidad entre lo espeluznante y lo atractivo.

    2° Planta

    Torcido volcado (2007)

    Nicanor Aráoz

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

    Sobre el artista

    Nicanor Aráoz (Buenos Aires, 1981) produce objetos, instalaciones, dibujos y esculturas tomando referencias del cómic, la imaginería de internet y ciertas mitologías románticas del arte gótico. En sus obras, procedimientos del objeto surrealista como el montaje de elementos disímiles y lo onírico, cobran formas frenéticas similares a pesadillas donde parecen unirse las pulsiones de goce y de dolor. Aráoz trabaja los materiales como si estuviesen expiando sensaciones sádicas, los lleva a puntos máximos de expresividad y torsión. En escenas narrativas mezcla monstruos de yeso, masas amorfas de resina, zapatillas, luces de neón y galletitas con gatos, ratones y pájaros embalsamados, dando cuerpo a un mundo de psicodelia emocional con referencias visuales al ámbito doméstico de un niño y un adolescente.

  • Adriana Bustos

    Fuegos (2022)

    Pintura acrílica, lápiz de grafito y hoja a la plata sobre tela

    3° Planta

    Fuegos (2022)

    Adriana Bustos

    EJE 2

    Cuerpo - máquina.

    Sobre el artista

    Adriana Bustos (Bahía Blanca, 1965) emplea la pintura, la instalación, y sobre todo, el dibujo, para desarrollar investigaciones y discursos narrativos alrededor de temáticas históricas, políticas y sociales. Sus producciones tratan tópicos como los efectos de la sociedad sobre las mujeres y minorías, la censura y la represión. Bustos, trabaja las temporalidades: pasado-presente convergen en su trabajo como modos de enunciar interrogantes y posibilitar nuevas preguntas. En la obra Fuegos (2022) se recrea un grabado de Athanasius Kircher, erudito alemán perteneciente a la orden jesuita, quien en 1664 describió la Tierra como un organismo con un núcleo de fuego, conectado con la superficie a través de grandes cavidades que expulsan humo y lava. Bustos realiza una copia minuciosa de aquella lámina y, en ese acto, recupera su valor narrativo y cognoscitivo — se trata de una manifestación en imagen de aquella mentalidad barroca que buscó explicar el espacio subterráneo por primera vez, y así transformarlo en un territorio conocido. A la vez, Bustos se apropia del dibujo antiguo y la superpone al acontecer del presente. La pieza se presenta entonces como un llamado de atención acerca de la actual crisis medioambiental en la que vivimos. En sus proyectos, Bustos busca desandar los caminos de las certezas científicas, y para ello explora fuentes de información heterogéneas: desde archivos arrumbados a publicaciones de tirada masiva, o también, conversaciones casuales con otras personas. A partir de esos datos, practica la asociación de imágenes para proponer constelaciones de otras historias posibles y, con ellas, nuevas realidades. El dibujo le permite poner en contacto y convivencia materiales provenientes de diferentes épocas y desordenar las formulaciones lineales del tiempo.

  • Marina de Caro

    Sin Título (2018)

    Óleo y lápiz color sobre papel

    3° Planta

    Sin Título (2018)

    Marina de Caro

    EJE 2

    Cuerpo - máquina.

    Sobre el artista

    Marina de Caro (Mar del Plata, 1961) centra su trabajo en la intersección del arte y la educación, cuestionando la manera en que la realidad nos afecta y cómo somos afectados y afectadas por ella. Concibe su producción como una investigación que plasma en dibujos, textiles, instalaciones, esculturas, cerámicas, videos o performances, entre otras técnicas y soportes, que aborda con libertad y sin ningún tipo de ortodoxia. El cuerpo atraviesa todo su trabajo a partir de preguntas muy precisas: cómo percibe el cuerpo, cómo se desarrolla un comportamiento corporal, cuál es la función del diseño, cómo habita el cuerpo un determinado espacio y cómo habitar amablemente un espacio en sociedad. En sus trabajos sobre papel, entre ellos Sin Título (2018), la artista compone a partir de coreografías generadas por el movimiento de su propio cuerpo y, a través del color, las texturas y las formas, busca hackear las maneras de habitar el mundo. Partiendo de una producción que propicia el descanso y el ocio como acciones políticas que irrumpen con las ideas de tiempo y productividad, De Caro presenta un proyecto utópico para el habitar, concibiendo el arte como la gran tierra donde ensayamos otros mundos posibles.

  • Feliciano Centurión

    Sin título (1993)

    Acrílico y esmalte sobre frazada

    Planta Baja

    Sin título (1993)

    Feliciano Centurión

    EJE 1

    El ritual, poderoso y político.

    Sobre el artista

    A principios de la década de 1980, Feliciano Centurión (1962 – 1996), nacido en Paraguay, se mudó a Buenos Aires y se integró a los circuitos de experimentación identificados con la cultura underground de esa ciudad. Formó parte del grupo de artistas que expuso en el Centro Cultural Rojas y que tuvo un rol fundamental en la definición del arte contemporáneo argentino. A mediados de la década de 1990, Centurión comenzó a utilizar sus características frazadas que compraba en locales del barrio de Once. Sobre estas superficies desplegó su pintura, reemplazando la tela como el soporte tradicional, y dando lugar a obras de gran formato. Plantas, flores, insectos, seres marinos, animales de granja y otros propios de su lugar de origen como yacarés, lagartos y surubíes, son los motivos con los que el artista intervino las mantas, a veces, con aires de fantasías naif y una ternura vinculada a lo infantil. Para Centurión, apropiarse de objetos de consumo e intervenirlos manualmente era una forma de significar el paso de los sentimientos. En ese sentido, la obra Sin Título (1993), aún colgada en la pared al modo de un tapiz, evoca la presencia del cuerpo y su fragilidad y el abrigo como forma de afecto y de cuidado. Más tarde, Centurión se involucró con técnicas manuales asociadas a quehaceres femeninos como el bordado, el crochet o el ñandutí paraguayo. En este sentido, así como sus obras marcaban la tensión entre la serialidad de los productos de mercado y el acabado artesanal, el artista decía plasmar en ellas “la crisis de la oposición binaria entre lo femenino y lo masculino”. Después de haber sido diagnosticado con VIH en una época donde no había un tratamiento accesible, Centurión comenzó a valerse de su obra para registrar el paso de la enfermedad por su cuerpo, así como para ofrecer una contra-narrativa al relato que presentaban los medios de comunicación.

  • Nicola Constantino

    Cadena de pollos (1997)

    Calco de pollo en silicona blanca

    4° Planta

    Cadena de pollos (1997)

    Nicola Constantino

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

    Sobre el artista

    En veinte años de producción, la obra de Nicola Costantino (Rosario, 1964) fue diversificándose desde la escultura, la vestimenta, los objetos mecánicos e instalaciones hacia la fotografía, la video-instalación y la gastronomía. El cuerpo, humano o animal, y su tratamiento violento a través del consumo y de la moda es el eje que cruza su investigación artística. Atraída por los materiales poco convencionales, Costantino se familiarizó tempranamente con los moldes de silicona, la matricería en resina poliéster, la inyección de espuma flexible de poliuretano y también, con las técnicas de taxidermia. Como resultado de esta formación, a lo largo de la década de 1990, presentó una serie de obras y experiencias performáticas en las que recurrió a la exhibición de animales momificados, calcados o cocinados. En esta línea de trabajo se incluye Cadena de pollos (1997), una tira colgante de cinco metros en la cual un número de calcos de pollo se engarzan entre sí mediante la introducción de la cabeza de uno en orificio anal del siguiente. La obra imita las formas sofisticadas de la joyería y el diseño de bienes de lujo, pero haciendo uso de cuerpos de animales como motivo decorativo, y despertando en quien la ve un sentido incómodo de la belleza. Hacia 1995, Costantino presentó piezas de indumentaria confeccionadas en silicona que replicaba la piel humana y, más tarde, fabricó jabones con grasa extraída de su propio cuerpo, obra que acompañó con la producción de piezas publicitarias falsas. Desde la primera década de los 2000, la artista ha incursionado en la fotografía y el audiovisual en los que se incluye de manera autorreferencial encarnando escenas de la historia del arte y personajes femeninos paradigmáticos. Además, realiza grandes puestas en escena que involucran performance, gastronomía e instalación generando una experiencia integral para los sentidos, desde el sabor hasta el aroma.

  • Chiachio Giannone

    Familia a seis colores #11 (2018)

    Mosaico textil

    2° Planta

    Familia a seis colores #11 (2018)

    Chiachio Giannone

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.

    Sobre el artista

    Leo Chiachio & Daniel Giannone (Buenos Aires, 1969 & Córdoba, 1964) son una pareja de artistas que lleva adelante su obra en conjunto explorando espacios íntimos, imaginarios familiares disidentes y afectos queer. Trabajan en diversidad de técnicas: pintura, bordado, mosaico textil, cerámica y porcelana, las cuales abordan desde una concepción pictórica del color, el humor y de la puntada como pincelada. El uso del bordado por parte del dúo les permite crear piezas intrincadas y coloristas que evocan los paisajes y colores de los cuadros de Henri Rousseau y la obra textil de Feliciano Centurión – artista de la colección Espacio Vital -. En la obra Familia a seis colores #11 (2018) el dúo busca, a partir del desdibujamiento de la noción de autoría individual, desmitifica la idea romántica del artista trabajando solo. Como en otras piezas, se retratan a sí mismos y a sus hijxs-mascotas bajo aspectos ficticios para así generar una recreación continua de su imagen que comporta un espíritu teatral trotamundo, en contacto con la transformación drag y el humor de varieté. Así, retratan un universo en el que son posibles las familias extensas queer y otros modos posibles de sociabilidad, afiliación y parentesco. Los tiempos extensos del bordado, que implican meses o años, y la reutilización de telas de uso personal y doméstico en sus piezas los llevan a consolidar una concepción activista de su labor desde una perspectiva afectiva, anti-productivista y de cuidado ambiental. Mientras que realizan la mayor parte de su obra en su casa, en espacios públicos y salas de exhibición desarrollan obras participativas con la comunidad LGTBIQ+, las minorías migrantes y público general, junto a quienes confeccionan banderas que reivindican identidades y tradiciones artesanales. Chiachio & Giannone se presentan como una identidad mutable y expansiva que comienza en la pareja, se extiende a la familia multiespecie y entabla diálogos con la sociedad en obras que alcanzan las calles.

  • Alberto Goldenstein

    Retrato de Marcelo Pombo (1989)

    Impresión cromogénica, copia en el año 1993

    Retrato de Feliciano Centurión (1993)

    Impresión cromogénica, copia en el año 1993

    2° Planta

    Retrato de Marcelo Pombo (1989)

    Alberto Goldenstein

    EJE 5

    Del propio archivo.

    Sobre el artista

    El fotógrafo Alberto Goldenstein (Buenos Aires, 1951) captura desde diferentes estadíos de la calle y de su mundo propio, condensa el registro de distintas épocas y el de sus propias vivencias. Lo que hay en sus obras es el paso de una persona por un lugar y un momento determinado y a la vez la habilidad de reconstruir el camino entre un ojo y otro: Goldenstein es un artista que desaparece al momento de tomar la fotografía para que su lugar sea ocupado por un espectador. En la serie Retratos del Mundo del Arte, el artista realiza fotografías netas de colores brillantes de retratos de artistas que pueblan el mundo del arte de la aldea porteña. Goldenstein elige a sus personajes a partir de un conjunto de rasgos y circunstancias que actúan como detonantes en la creación de situaciones visuales. Abstrae algún atributo que define la personalidad del retratado y pone en funcionamiento una elaboración conceptual donde imagina el lugar de la representación y la ficción del relato. En el Retrato de Marcelo Pombo (1989), ubica al artista en la perfumería Ivonne de Corrientes y Callao, posando delante de una vidriera repleta de accesorios de la cosmetología popular como telón de fondo. En el Retrato de Feliciano Centurión (1993), el artista aparece como una diva grandilocuente rodeada por la atmósfera decadente de la confitería El Molino. En ambos casos, el espacio físico adquiere autonomía propia y se identifica plenamente con el retratado, exagerando de manera radical la descripción que Goldenstein expone del personaje.

    2° Planta

    Retrato de Feliciano Centurión (1993)

    Alberto Goldenstein

    EJE 5

    Del propio archivo.

    Sobre el artista

    El fotógrafo Alberto Goldenstein (Buenos Aires, 1951) captura desde diferentes estadíos de la calle y de su mundo propio, condensa el registro de distintas épocas y el de sus propias vivencias. Lo que hay en sus obras es el paso de una persona por un lugar y un momento determinado y a la vez la habilidad de reconstruir el camino entre un ojo y otro: Goldenstein es un artista que desaparece al momento de tomar la fotografía para que su lugar sea ocupado por un espectador. En la serie Retratos del Mundo del Arte, el artista realiza fotografías netas de colores brillantes de retratos de artistas que pueblan el mundo del arte de la aldea porteña. Goldenstein elige a sus personajes a partir de un conjunto de rasgos y circunstancias que actúan como detonantes en la creación de situaciones visuales. Abstrae algún atributo que define la personalidad del retratado y pone en funcionamiento una elaboración conceptual donde imagina el lugar de la representación y la ficción del relato. En el Retrato de Marcelo Pombo (1989), ubica al artista en la perfumería Ivonne de Corrientes y Callao, posando delante de una vidriera repleta de accesorios de la cosmetología popular como telón de fondo. En el Retrato de Feliciano Centurión (1993), el artista aparece como una diva grandilocuente rodeada por la atmósfera decadente de la confitería El Molino. En ambos casos, el espacio físico adquiere autonomía propia y se identifica plenamente con el retratado, exagerando de manera radical la descripción que Goldenstein expone del personaje.

  • Sebastian Gordín

    Instituto Oceanográfico Miguel Harte (1994)

    Maqueta en pintura texturada sobre madera con vitreaux en papel, luz, acrilico y figuras en resina y plástico

    Planta Baja

    Instituto Oceanográfico Miguel Harte (1994)

    Sebastian Gordín

    EJE 5

    Del propio archivo.

    Sobre el artista

    En su obra, Sebastián Gordín (Buenos Aires, 1969) realiza una exploración polifacética de la memoria, la historia y el paso del tiempo, a menudo incorporando una combinación de diferentes medios para crear una experiencia visual distintiva. Sobre todo, se caracteriza por la creación de un imaginario de maquetas, objetos, instalaciones, reproducciones arquitectónicas en miniatura y demás piezas que configuran un micromundo de fantasía y pesadilla.
    A través de una lente poética y personal, sus maquetas revelan las tensiones dentro del ámbito artístico e intelectual. Cada maqueta encierra una escena que puede captarse de un solo vistazo, como un cuadro o una fotografía, dejando a la imaginación todo el espacio que queda fuera de la pantalla y difumina la línea que separa la ficción de la realidad, la ingenuidad de la perspicacia crítica, la caricatura del realismo. En la obra Instituto Oceanográfico Miguel Harte el artista retrata íconos de la arquitectura del siglo XX y los ficcionaliza reduciendo su escala, en este caso, para hacer un monumento al artista argentino Miguel Harte, y generar un microcosmos meticulosamente elaborado.
    Al igual que en la escena de un crimen, Gordín deja un rastro de pistas para que el observador complete el trabajo que ha comenzado. En paralelo, está la cuestión de la escala. Para poder ser lo más fiel posible a la magnitud de la trama a narrar, el artista decide reducir el tamaño de sus proyectos. Lo importante parecería ser convocar, de la manera más económica, a las dimensiones más espectaculares del horror, el humor o el melodrama.

  • Alicia Herrero

    Genealogía del recipiente (1993)

    Óleo sobre tela

    4° Planta

    Genealogía del recipiente (1993)

    Alicia Herrero

    EJE 2

    Cuerpo - máquina.

    Sobre el artista

    La obra de Alicia Herrero (Buenos Aires, 1954) indaga en profundidad la desigualdad económica, tanto en el ámbito privado como en la política internacional. Herrero aborda la temática haciendo uso de recursos propios de las artes visuales: desde los estudios de la forma, el plano y el color, hasta las referencias a la historia y a los géneros pictóricos. De ese modo, crea imágenes y experiencias capaces de llevar al orden de lo sensible conceptos y teorías complejas. En Genealogía del recipiente (1993), Herrero, a partir de elementos propios de la cocina, compone un clásico bodegón o naturaleza muerta reformulada. En este sentido, Herrero pinta los recipientes haciendo referencia a aquellas gramáticas sociales y económicas que, aún en la intimidad, condicionan o determinan la existencia de las personas en general y de las mujeres en particular. Herrero, es una artitsta pionera en producir un cuerpo de obra en clave feminista en América Latina. Su obra expansiva se desarrolla en diversos medios, tales como instalación, objeto, dibujo, pintura, video y performance y se nutre también, a lo largo de su trayectoria, con su participación en asambleas populares y sus estudios de estadística. En la década de 1990 desarrolló series protagonizadas por objetos hogareños a partir de las cuales buscó poner en cuestión los discursos que históricamente recluyen a las mujeres al ámbito doméstico.

  • Carlos Herrerra

    El sueño de las luciérnagas (2023)

    Planta Baja

    El sueño de las luciérnagas (2023)

    Carlos Herrerra

    EJE 1

    El ritual, poderoso y político.

    Sobre el artista

    Desplegada en medios diversos como la escultura, el objeto, la instalación y la performance, la obra de Carlos Herrera (Rosario, 1976) dialoga, a nivel formal, con la historia del ornamento, el género pictórico de la naturaleza muerta y la técnica del arreglo floral. Sin embargo, desde sus títulos, las piezas suelen apelar a la tradición del retrato y el autorretrato, de manera que se presentan como sucesivas versiones del propio artista. En El sueño de las luciérnagas (2023), Herrera crea un recinto a partir de una serie de líneas a simple vista fijas, pero que, en el contacto con lx espectadorx, resultan ser blandas, permitiendo el ingreso. Una vez adentro, la obra invita a mirar hacia arriba, donde, a gran altura, se despliega una escena colgante. Una cama patas para arriba y la representación sintética de un cuerpo, iluminados por los caireles de lámpara desarmada que los rodean como un manojo de luciérnagas. La imagen se completa con un par de zapatos de cordones sueltos al lado de la cama y, a un costado, una escalera. Si en gran parte de la producción de Herrera el cuerpo es invocado desde sus restos, emanaciones y recuerdos, en este caso también lo hace a partir de una síntesis de su figura. En las producción de Herrera conviven lo orgánico y lo inorgánico en el intento por responder a la pregunta sobre la desaparición del cuerpo y la materia, a la que se añaden los pensamientos sobre la muerte y la locura, el transcurso del tiempo, la sexualidad y los ritos del pasado y del presente, como tópicos que estructuran su trabajo. Materiales tan diversos como cadenas, sábanas, frazadas, madera, flores, hojas, plumas, pan, carnes, huesos, vajilla, agua y jabón, algunos con profundos signos de desgaste, se ensamblan en composiciones contenidas por una caja, una bolsa o, en obras recientes, por marcaciones lineales que dibujan límites en el espacio.

  • Carlos Huffman

    Industrialización Imaginaria (2019)

    Óleo sobre tela

    Inteligencia Imaginaria (2019)

    Óleo sobre tela

    3° Planta

    Industrialización Imaginaria (2019)

    Carlos Huffman

    EJE 2

    Cuerpo - máquina.

    Sobre el artista

    Carlos Huffman (Buenos Aires,1980) condensa imaginarios híbridos en dibujos, pinturas, esculturas, instalaciones y textos. Generalmente presenta elementos industriales que reflexionan acerca del impacto de la industrialización en la sociedad y el medio ambiente, así como la relación entre los seres humanos y las máquinas. Las obras Industrialización Imaginaria (2019) e Inteligencia Imaginaria (2019) se basan en una composición de múltiples imágenes que crean una escena surrealista a través de una variedad de elementos industriales, como engranajes, tuberías y maquinaria, dispuestos de forma que sugieren un sistema complejo e interconectado. En estas pinturas pueden leerse varias capas de sedimentación consolidadas en un ir y venir entre lo analógico y lo digital, que invitan a reflexionar sobre la complejidad y las contradicciones de la imagen y sus indescifrables grados de verosimilitud en la vida contemporánea. A lo largo de su producción, Huffmann despliega una poética de la crisis permanente, en la cual los objetos obsoletos y fragmentarios se constituyen en metáforas de las existencias que subsisten y florecen en los márgenes del sistema tecnocrático, el cual se despliega por igual en los campos y en las urbes.

    3° Planta

    Inteligencia Imaginaria (2019)

    Carlos Huffman

    EJE 2

    Cuerpo - máquina.

    Sobre el artista

    Carlos Huffman (Buenos Aires,1980) condensa imaginarios híbridos en dibujos, pinturas, esculturas, instalaciones y textos. Generalmente presenta elementos industriales que reflexionan acerca del impacto de la industrialización en la sociedad y el medio ambiente, así como la relación entre los seres humanos y las máquinas. Las obras Industrialización Imaginaria (2019) e Inteligencia Imaginaria (2019) se basan en una composición de múltiples imágenes que crean una escena surrealista a través de una variedad de elementos industriales, como engranajes, tuberías y maquinaria, dispuestos de forma que sugieren un sistema complejo e interconectado. En estas pinturas pueden leerse varias capas de sedimentación consolidadas en un ir y venir entre lo analógico y lo digital, que invitan a reflexionar sobre la complejidad y las contradicciones de la imagen y sus indescifrables grados de verosimilitud en la vida contemporánea. A lo largo de su producción, Huffmann despliega una poética de la crisis permanente, en la cual los objetos obsoletos y fragmentarios se constituyen en metáforas de las existencias que subsisten y florecen en los márgenes del sistema tecnocrático, el cual se despliega por igual en los campos y en las urbes.

  • Fabio Kacero

    25 firmas de la serie “El Campeón de los Fantasmas” (2016)

    Marcador sobre papel

    2° Planta

    25 firmas de la serie “El Campeón de los Fantasmas” (2016)

    Fabio Kacero

    EJE 5

    Del propio archivo.

    Sobre el artista

    La obra de Fabio Kacero (Buenos Aires, 1961) es tan variada y polimórfica que podría pensarse que, ante cada nueva serie, el artista se duplica para pasar a ser otro, pero también él mismo, animando procesos que recorren toda su obra: la copia, la repetición, la traducción, la continuidad, la inminencia y la disrupción. El artista, con gestos mínimos e imperceptibles, interviene las reglas del arte para enfocar críticamente sobre las maneras en que se construyen los prestigios artísticos. La serie “El Campeón de los Fantasmas” (2016-2022) se compone de 186 firmas que recolectó Kacero de personalidades vivas y muertas del mundo del arte (incluidas 4 del propio artista), como si fuesen “obras” en sí mismas y a su vez firmadas por el mismo Kacero, a manera de dibujos en colaboración. ¿Qué es una firma?, ese garabato automático donde se cifra la identidad, ese dibujo casi inconsciente que se adueña de todo lo que toca. ¿Y cómo funciona ese mecanismo de apropiación? Y a su vez, ¿quién firma la firma, o quién la legítima? ¿El que firma último firma mejor? Con la firma pretendemos recuperar la pérdida impuesta por el nombre, es una afirmación del sentido, de la verdad y de la autoría: es un nudo en donde confluyen presencia y ausencia. El que firma ya no está, se fue, desapareció, pero quiere dejar su huella. Por eso, se vuelve pertinente la pregunta, ¿quién firma cuando se firma? Firma un fantasma, un ente que oscila entre el ser y el no ser. De esta manera, Kacero crea un símbolo, una palabra, un objeto, lo multiplica y lo dona a la desmesura del universo para llenar sus vacíos. Entre lo ominoso y lo humorístico, lo tierno y lo erudito, están una y otra vez los sin sentidos metafísicos a los que la obra de Kacero se arroja.

  • Marcelo Pombo

    Sin título (1998)

    Caja de cartón, acrílico y moños

    fruta seca (1999)

    Cartón, acrílico y etiquetas autoadhesivas (stickers).

    Sin título (Cepita) (1994)

    Acrílico, acetato y moños sobre cartón

    2° Planta

    Sin título (1998)

    Marcelo Pombo

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.

    Sobre el artista

    La trayectoria de Marcelo Pombo (Buenos Aires, 1959) se inició en circuitos de experimentación identificados con la cultura gay y underground de Buenos Aires a finales de la década de 1980. Formó parte del grupo de artistas que expusieron en el Centro Cultural Rojas, y que tuvo un rol fundamental en la definición del arte contemporáneo local. La mirada preciosista y artesanal sobre lo residual e insignificante cruza toda la producción de Pombo. Su obra evoca estados de transformación y excitación, en los que los materiales, sin verse específicamente bellos, incitan en quién los mira una experiencia de exuberancia. En las obras Sin Título (Cepita) (1994) y Sin Titulo (1998), Pombo realizó un grupo de piezas icónicas a partir de envases de jugo marca Cepita, y también de otros productos de uso cotidiano y doméstico como polvo para lavar o lavandina, que engalanó con moños de regalo, stickers, guirnaldas de nylon y pintura acrílica con relieve. En estas piezas, el artista replica procedimientos ligados al bricolaje de los programas de TV y las manualidades escolares, traficando tipos de belleza asociados a la baja cultura. A la vez, sus materiales “pobres”, cartón, brillantina y celofán, desperdicios de la economía neoliberal implementada en la Argentina en la década de 1990, posicionan la obra en su contexto de producción. Más tarde, Pombo se concentró en una serie de cuadros pintados con esmalte sintético sobre paneles en los cuales asoció diversas formas pictóricas: el paisaje surrealista y visionario, el paisaje costumbrista, el arte geométrico y el expresionismo abstracto. Desde 2008 a la actualidad, su trabajo está enfocado hacia los pasados marginales y desviados del arte argentino y latinoamericano. Como señala Inés Katzenstein, la producción artística de Pombo está construida sobre un programa de alianzas estéticas y políticas con sujetos minoritarios y subalternos: mujeres, infancias, pobres, artesanos, fetichistas y artistas provincianos.

    2° Planta

    fruta seca (1999)

    Marcelo Pombo

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.

    Sobre el artista

    Marcelo Pombo (Buenos Aires, 1959) comenzó a exponer a finales de los años 80 pequeñas obras identificadas con la cultura gay y underground de aquella época. Formó parte desde el inicio del grupo de artistas que expusieron en el Centro Cultural Rojas, cuya producción estética tuvo una gravitación fundamental en el arte argentino de los años 90. La obra de Pombo de este período se caracterizó por el uso de materiales y procedimientos ligados a la decoración, las artesanías y las manualidades. A partir de 1999 se concentró, casi exclusivamente, en la realización de cuadros pintados con esmalte sintético sobre paneles en donde asoció diversos estilos: el paisaje surrealista y visionario, el paisaje costumbrista, el arte geométrico y el expresionismo abstracto. A través de una técnica obsesiva y minuciosa, creó en estas obras un efecto hipnótico y obsesivo.

    Desde 2008 a nuestros días, su trabajo está enfocado hacia el pasado del arte argentino y latinoamericano, tanto el que quedó al margen del relato moderno como de las traducciones excéntricas y desviadas del canon de las vanguardias. Pombo ha realizado numerosas muestras individuales. Entre ellas se destacan Templos de barrio (BARRO, Buenos Aires, 2019), Rosario Remix, nuevos y otros artistas del Grupo Litoral (Museo Castagnino+macro, Rosario, 2018), Marcelo Pombo, obras recientes en Barro (BARRO, Buenos Aires, 2015), Marcelo Pombo (Jardín Oculto, Buenos Aires, 2011), Lo profundo del mar (Zavaleta Lab, Buenos Aires, 2010), Ocho pinturas y un objeto (Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, 2006), entre otras. En 2015 tuvo lugar en la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat (Buenos Aires) una exposición antológica curada por Inés Katzenstein. Sus obras han sido parte de exposiciones colectivas realizadas en instituciones como el Museo de arte moderno de Buenos Aires (Buenos Aires, 2019), Museo Sívori (Buenos Aires, 2019), Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2009), Museo Castagnino+macro (Rosario, 2008), Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires, 1997). Ha realizado exhibiciones en Estados Unidos en Blanton Museum of Art (Texas, 2011), Blaffer Gallery, The Art Museum of the University of Houston, Cleveland Museum of Contemporary Art and The Southeastern Center for Contemporary Art (2005), Christopher Grimes Gallery (Los Angeles, 2001), Contemporary Art Center of Virginia (2001), Christopher Grimes Gallery (Los Angeles, 2000), American Society (Nueva York, 1993), entre otras.

    La obra de Marcelo Pombo forma parte de las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires) Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Malba-Fundación Costantini (Buenos Aires), Museo Castagnino+macro (Rosario), Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat (Buenos Aires), Blanton Museum of Art (Texas) entre otros y de numerosas colecciones privadas. Vive y trabaja en Buenos Aires

    2° Planta

    Sin título (Cepita) (1994)

    Marcelo Pombo

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.

    Sobre el artista

    La trayectoria de Marcelo Pombo (Buenos Aires, 1959) se inició en circuitos de experimentación identificados con la cultura gay y underground de Buenos Aires a finales de la década de 1980. Formó parte del grupo de artistas que expusieron en el Centro Cultural Rojas, y que tuvo un rol fundamental en la definición del arte contemporáneo local. La mirada preciosista y artesanal sobre lo residual e insignificante cruza toda la producción de Pombo. Su obra evoca estados de transformación y excitación, en los que los materiales, sin verse específicamente bellos, incitan en quién los mira una experiencia de exuberancia. En las obras Sin Título (Cepita) (1994) y Sin Titulo (1998), Pombo realizó un grupo de piezas icónicas a partir de envases de jugo marca Cepita, y también de otros productos de uso cotidiano y doméstico como polvo para lavar o lavandina, que engalanó con moños de regalo, stickers, guirnaldas de nylon y pintura acrílica con relieve. En estas piezas, el artista replica procedimientos ligados al bricolaje de los programas de TV y las manualidades escolares, traficando tipos de belleza asociados a la baja cultura. A la vez, sus materiales “pobres”, cartón, brillantina y celofán, desperdicios de la economía neoliberal implementada en la Argentina en la década de 1990, posicionan la obra en su contexto de producción. Más tarde, Pombo se concentró en una serie de cuadros pintados con esmalte sintético sobre paneles en los cuales asoció diversas formas pictóricas: el paisaje surrealista y visionario, el paisaje costumbrista, el arte geométrico y el expresionismo abstracto. Desde 2008 a la actualidad, su trabajo está enfocado hacia los pasados marginales y desviados del arte argentino y latinoamericano. Como señala Inés Katzenstein, la producción artística de Pombo está construida sobre un programa de alianzas estéticas y políticas con sujetos minoritarios y subalternos: mujeres, infancias, pobres, artesanos, fetichistas y artistas provincianos.

  • Florencia Rodriguez Giles

    Máscara de la Comunidad Transitoria de Mascotas Terapeutas (2019)

    Resina, óleo, plumas y pelo sintético

    Hospital de día (2021)

    Lápiz sobre papel

    1° Planta

    Máscara de la Comunidad Transitoria de Mascotas Terapeutas (2019)

    Florencia Rodriguez Giles

    EJE 1

    El ritual, poderoso y político.

    Sobre el artista

    Florencia Rodríguez Giles (Buenos Aires, 1978) establece vasos comunicantes entre el dibujo y prácticas artísticas y terapéuticas. Su producción indaga en la expansión de la imaginación y la mutación de las formas de vida.

    A partir del ejercicio de trabajo colectivo con usuarios y ex usuarios de instituciones de salud mental, Rodriguez Giles explora diferentes modos de vinculación, interacción y acción de experiencias artísticas. A través de una serie de ejercicios e instrucciones, invita a alterar la organización perceptiva, afectiva y expresiva de los y las participantes. 

    La obra Máscara de la Comunidad Transitoria de Mascotas Terapeutas (2019) formó parte de una performance que sucedió durante dos días en el INHA (Institut national d’histoire de l’art). Consistió en un juego de mutaciones y una terapia performativa: un portal que comunicó diferentes formas de percibir y expresarse, posibilitando otras formas de cuidado y atención para que los participantes se conviertan finalmente en una mascota que también es terapeuta. 

    ¿Es posible imaginar otras experiencias y posibilidades para los humanos? ¿Hay alguna cura en dejarse llevar y dejar temporalmente de ser quien se es? Desplazando el deseo de lo biográfico y privado a un horizonte comunitario y ficcional, atravesado por la memoria de otras especies, esta performance propone trabajar con el malestar que no está referido en el diagnóstico taxativo. 

    Tras una secuencia de ejercicios, como practicar formas de abandonar el lenguaje para agudizar la capacidad de hablar sin palabras, especialmente con entidades no animadas, los futuros terapeutas cultivan una forma de intimidad con las cosas en general, así como la capacidad de dirigir y ser dirigidos por el resto de la comunidad. 

    De esta forma, a través del uso de disfraces, reglas, tareas y talismanes que se añaden como prótesis al propio cuerpo, en una situación que cuestiona el poder político de los diferentes sentimientos de incomodidad o malestar, que suelen reducirse al rango de enfermedad, se entrena una nueva sensibilidad. La Comunidad Temporal de Mascotas Terapeutas, explora prácticas de libertad basadas en el mandar y obedecer, en un juego orientado a experimentar más plasticidad en nuestras subjetividades, que muchas veces no concuerdan con el “yo”.

     

    4° Planta

    Hospital de día (2021)

    Florencia Rodriguez Giles

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

    Sobre el artista

    Florencia Rodríguez Giles (Buenos Aires, 1978) establece vasos comunicantes entre el dibujo y prácticas artísticas y terapéuticas. Su producción indaga en la expansión de la imaginación y la mutación de las formas de vida. A partir del ejercicio de trabajo colectivo con usuarios y ex usuarios de instituciones de salud mental, Rodriguez Giles explora diferentes modos de vinculación, interacción y acción de experiencias artísticas. A través de una serie de ejercicios e instrucciones, invita a alterar la organización perceptiva, afectiva y expresiva de los y las participantes. Los dibujos Hospital de Día (2021) forman parte de estos ejercicios donde la artista representa escenas y rituales ficticios que dan lugar a seres que escapan de lo humano. En ellos, la parte del cuerpo más reconocible e identificativa de todo sujeto— se esconde detrás de las máscaras, habilitando otro tipo de percepciones y sensaciones que favorecen al desconocimiento de uno mismo. En sus dibujos y procesos de diversas naturalezas, la artista propone transitar estados previos a la individuación, entre el consciente y lo inconsciente, la vigilia y el sueño, donde el cuerpo y la psique se hacen plásticos, desplegando así un profuso imaginario posthumano, ritualístico, fantástico u orgiástico.

  • Gonzalo Beccar Varela

    sinombre 0004 (2023)

    Madera de álamo, cavnas, porcelana fría.

    1° Planta

    sinombre 0004 (2023)

    Gonzalo Beccar Varela

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

  • Mara Caffarone

    Poder de relaciones #6 (2019)

    Esmalte sintético en aerosol sobre vidrio y base de cemento con cuñas de madera y paño.

    3° Planta

    Poder de relaciones #6 (2019)

    Mara Caffarone

    EJE 2

    Cuerpo - máquina.

  • Emilia Carreras

    Móvil III (2022)

    Chapitas de aluminio, hilo tanza, aerosol y hierro.

    2° Planta

    Móvil III (2022)

    Emilia Carreras

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.

  • Constanza Chiappini

    Sin título 01 (2022)

    Lapiz sobre papel Fabriano

    1° Planta

    Sin título 01 (2022)

    Constanza Chiappini

    EJE 1

    El ritual, poderoso y político.

  • El bondi Colectivo

    Sin título (1200-1535 d.C)

    Cerámica, barro calchaquí, polvo de vasijas originarias

    2° Planta

    Sin título (1200-1535 d.C)

    El bondi Colectivo

    EJE 5

    Del propio archivo.

  • Brenda Erdei

    Sin título (2023)

    Óleo sobre tela

    3° Planta

    Sin título (2023)

    Brenda Erdei

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

  • Samantha Ferro

    Sin título (2022)

    Hierro y resina

    4° Planta

    Sin título (2022)

    Samantha Ferro

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

  • Josefina Garzón

    Collosea (2022)

    Óleo sobre lienzo, cerámica

    4° Planta

    Collosea (2022)

    Josefina Garzón

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

  • Diego Andrés Gelatti

    Sin título (2021)

    Audiovisual

    Planta Baja

    Sin título (2021)

    Diego Andrés Gelatti

    EJE 2

    Cuerpo - máquina.

  • Carlos Gutierrez

    Un día de 1000 horas (2023)

    Puerta doble chapa inyectada, esmalte sintético, metal.

    Planta Baja

    Un día de 1000 horas (2023)

    Carlos Gutierrez

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

  • Luisa Lerman

    Sin título (2020)

    Acrílico sobre bolsas de plástico

    2° Planta

    Sin título (2020)

    Luisa Lerman

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.

  • Jimena Losada

    Sin título (2019)

    Óleo sobre papel

    4° Planta

    Sin título (2019)

    Jimena Losada

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

  • Mariano Martinez

    Sin título (2021)

    Enduido y óleo sobre lienzo.

    3° Planta

    Sin título (2021)

    Mariano Martinez

    EJE 2

    Cuerpo - máquina.

  • Clara Miño

    Tierra baldía (2023)

    Acrílico sobre tela

    2° Planta

    Tierra baldía (2023)

    Clara Miño

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

  • Alejandra Montiel

    Cuando el río arde (2022)

    Audiovisual

    3° Planta

    Cuando el río arde (2022)

    Alejandra Montiel

    EJE 2

    Cuerpo - máquina.

  • Emilia Naistat

    Sin título (2023)

    Óleo sobre tela

    4° Planta

    Sin título (2023)

    Emilia Naistat

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

  • Juan Ojeda

    víbora blanca (2021-2022)

    Escultura de poliuretano expandido, cristal, tela, pintura acrílica.

    2° Planta

    víbora blanca (2021-2022)

    Juan Ojeda

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.

  • Roxana Ramos

    Tecnología del soplo (2019)

    Fibra simbol

    3° Planta

    Tecnología del soplo (2019)

    Roxana Ramos

    EJE 1

    El ritual, poderoso y político.

  • Nicolas Rodriguez

    Mosaico (2023)

    Arcilla, arena, paja y agua.

    Planta Baja

    Mosaico (2023)

    Nicolas Rodriguez

    EJE 1

    El ritual, poderoso y político.

  • Natalia Segre

    donde reposa la memoria (2022)

    Textiles sintéticos, naturales, metal, hilos de algodón, cerámica, pluma y plástico

    Planta Baja

    donde reposa la memoria (2022)

    Natalia Segre

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.

  • Federica Slavich

    Herdidas tontas (2023)

    Collage, öleo, recortes gráficos

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.

  • Rocio Valdivieso

    Argumentos para lo intransferible (2023)

    Caucho usado, lona negra, papel negro

    Planta Baja

    Argumentos para lo intransferible (2023)

    Rocio Valdivieso

    EJE 4

    Desplazamientos extraños.

  • Juan Valenti

    Un orden mayor (2023)

    Óleo sobre lienzo

    3° Planta

    Un orden mayor (2023)

    Juan Valenti

    EJE 1

    El ritual, poderoso y político.

  • Javier Soria Vazquez

    dibujodiario (2022)

    2° Planta

    dibujodiario (2022)

    Javier Soria Vazquez

    EJE 5

    Del propio archivo.

  • Maria Lujan Vivas

    Algunas cosas que no me animé a tirar a la basura (2020)

    Escultura en cerámica esmaltada

    2° Planta

    Algunas cosas que no me animé a tirar a la basura (2020)

    Maria Lujan Vivas

    EJE 3

    Poéticas de lo subalterno.